Musique écrite plutôt que musique classique

Dans le précédent article, nous avons esquissé ce que seront les idées-forces de ce blog. Il s’agit maintenant de préciser de quelle musique il y sera question. Avec les mentions, dans le billet de présentation, des compositeurs tels Rameau, Bartok, Palestrina, Bach, vous aurez peut-être deviné que c’est de musique classique dont nous parlerons.

Oui, mais.. Au terme musique classique, nous préférons celui de musique écrite, car moins légitimiste, et plus propre à rendre compte des trajectoires des traditions écrites.

Au fait, pourquoi ces traditions existent-elles ? Pourquoi conserver une trace écrite de sa musique ? Quel intérêt ? Quelle démarche ? 

Tout d’abord, l’écriture (on parle aussi de notation) permet de fixer, conserver et diffuser la musique. C’était précisément l’objectif des réformes carolingiennes, en l’an 780 (pour la liturgie, sous Charlemagne): romaniser et unifier le chant liturgique catholique dans un vaste empire où perdurait des traditions éparses (ambrosiennes, gallicanes, mozarabes).

Nous ajoutons que, par les traditions écrites, le compositeur assimile, parfois inconsciemment, le patrimoine historique de son époque et celui des époques précédentes. Et si pour certains, la composition relève du geste purement artisanal, il n’est pas rare que, pour d’autres, la connaissance des traditions écrites les amène à inscrire leur musique dans une démarche spéculative de remise en question. L’exemple éloquent de Beethoven, cherchant à libérer la musique de sa fonction divertissante.

Remettre en question, expérimenter, pour finalement concevoir de nouveaux modèles ! Comme Schoenberg qui, dès 1909, tente de décorréler expressibilité des émotions en musique et ligne mélodique tonale.

Après avoir dit tout cela, l’on comprend aisément que les musiques écrites ou plutôt la démarche y afférant, pousse naturellement les artistes à s’intéresser à des considérations structurelles et théoriques complexes.

C’est de ces musiques dont nous voulons parler.